中国传统工笔仕女画和浮世绘美人画在表现技法及构成形式上的比较

女性形象的创作在中国画中被称为“仕女画”,在日本画中被称作“美人画”。虽然中国仕女画与日本美人画两者的名称有差异、但在实质上,仍属于同一种绘画题材。而日本美人画胎息于中国唐代仕女画,长期受中国传统仕女画艺术风格的影响,并在其影响下不断发展。甚至被称为最具日本民族风格的浮世绘美人画,我们在透过其浮华的外表下,仍可清晰的观察到其内蕴亦深受中国传统工笔仕女绘画艺术影响的痕迹。本文旨在对现有资料收集整理的基础上,对中国传统工笔仕女画及日本浮世绘美人画的表现技法及构成形式做比较,研究、分析和讨论两者的异同,并结合实践经验和理论知识做一论述。     

歌川国芳:最会画猫的日本画师

<正>人们对浮世绘耳熟能详。浮世绘是一种源自日本的艺术形式,起源于17世纪,在18、19世纪,以江户(今东京)为中心达到创作的巅峰。浮世绘的字面意思是“浮世之绘”,其中“浮世”指的是享乐、短暂、世俗的日常生活。浮世绘的题材除了美人、歌舞伎演员、民间故事和风景等,也包括动物。在日本江户时代末期,浮世绘歌川派大师歌川国芳绘制的猫版画便远近闻名。据说,歌川国芳是十足的猫奴,他的画室里到处是猫,他画画时也经常怀抱着猫,他还为死去的猫设立祭坛。除此之外,他还经常建议他的学生们画猫。     

清宫到江户：18世纪后半叶的中日美人图——从图中身高比例之变管窥中国美术对浮世绘的影响

18世纪下半叶的浮世绘美人图中曾短暂出现过一种身高比例奇崛的人物形象，它的灵感源自中国的姑苏版画，而姑苏版画中这类特殊的身高比例则又源于清初的宫廷美术。清初对日的单向海运使得姑苏版画中的这一特质传向锁国中的日本，而这类图像却又在中国国内的严苛禁教中，被从源头上加以限制。加之浮世绘市场的激烈竞争，以“清长美人”为代表的奇崛的身高比例未几就从美人图中消散不见。这一中日美术交流史上的具体案例，也显示出清代宫廷美术在彼时东方艺术中的重要地位。     

古代“仕女画”的审美价值

通过对不同历史发展时期仕女画的比较 ,指出仕女画的审美取向趋从于不同时代的审美观。     

浮世绘：从古代日本的大众文化美学到当代日本流行文化的身份象征

浮世绘的发展与社会、历史、经济状况息息相关，反映出艺术与工艺、艺术表达与技术发展、艺术与社会阶层之间的关系。产生于日本闭关锁国时期的浮世绘今天却成为了日本的象征。浮世绘在当代社会中有了各种新用途如广告、装饰及纪念品等。在这一意义上，自江户时代至今，浮世绘一直是作为平民大众日常生活的一种审美形式而存在的。     

论日本美术之近代化

日本“狩野派”的纪念性、装饰性绘画艺术,是日本传统绘画艺术的典型代表,而“浮世绘”艺术的市民个性特征和日本文人画的主观主义特征以及近代日本美术对西洋画的借鉴都是对传统美术的突破。日本美术近代化的最大特点在于传统并没有被轻率地抛弃,而是在不断吸收外来文化的创新中形成了自己的“日本画”风格。     

唐姿·宋采·清粲——由張大千仕女畫粉本透視中國仕女畫三段論

文章透过张大千仕女画的阶段,以时间的緃轴分析中国历代仕女画‘唐姿＇、‘宋采’、‘清粲’三个阶段的发展历程,张大千的仕女画画风,没有脱离传统与现代承接的脉络,他将中国仕女昼的渊源及发展历史全部贯通,最后基于他的唯美主义原则以及中国仕女画传统的古典主义意识以及他个人的创新概念三大因素,使得他终于创出张大千式的仕女画画风。     

中日绘画交互影响蠡论

中日两国文化艺术交流的历史源远流长,在这绵延的历史长河里,中国绘画一次次波及日本,使日本绘画从佛绘、唐绘、大和绘、汉画、障壁绘、浮世绘到日本画的演变和发展一直受到中国绘画的深刻影响。同时,在吸收中国绘画以及西方绘画基础上形成的极具日本民族特点的日本绘画,也随中日文化艺术的交流在中国得以传播,并给中国绘画的理论、技法、创作、教育等多方面的发展、转型、研究带来了不少启迪,为中国绘画艺术输入了诸多营养。     

李公麟白描艺术的独特审美价值

从李公麟对传统线描的继承和发展、对中国画线条的认识以及他对色彩和绘画材料的选择等方面，梳理李公麟白描艺术形成的脉络，说明每一种艺术风格都是在时代影响下个人性格和个人智慧的体现，从而达到写时代精神之“真”的目的。     

论浮世绘与唐代工笔重彩画对印象派的影响

19世纪中叶,以法国为代表的西欧国家兴起了一股“日本绘画热”,日本浮世绘版画以其独特鲜明的东方艺术特有的个性,吸引和震撼了西方文化艺术界,推动了东西文化艺术的交流与融合,对欧洲绘画产生了长久而深远的影响。其影响最深并产生成效的艺术流派当推法国印象派与后印象派,而日本浮世绘基本上是由我国唐代工笔重彩演变而成的,因此,也可以说隐含在日本浮世绘中的中国唐代工笔重彩画从深层上影响了印象派与后印象派绘画。     

宋元时期中日绘画的传播与交流

宋元时期中日绘画的传播与交流对两国绘画的发展意义十分重大。日本从中国学得绘画艺术并进一步发展成为自己民族的绘画风格,而中国从中得到是经验和教训。"吸养和寻根"是中国绘画发展的最好途径,日本绘画发展的成功经验给了我们很多的启示、增强了我们勇往的信心。     

“写”在石涛画学中的意义

＂写＂作为对中国画作画状态的特殊表达形式,尤其是在中国画中＂写意画＂的广泛运用,使得它在中国画的发展过程中起到了举足轻重的作用,不仅自宋元以后由于这个直抒胸臆的＂写＂字使得画风大变,并且在之后的中国画发展中也扮演着极其重要的角色。石涛所建立的＂一画＂系统也不例外,他把＂写＂作为支撑其画学体系的一个重要组成部分。他所使用的＂写＂与古代画学中的描述与运用,虽然在大体上一致,但是进一步分析就能看出,他不仅继承了古代画学中对＂写＂的运用,并且把＂写＂作为对当下的一种＂创造＂精神体现,运用到他的画论、画跋和当下的作画状态中。所以,石涛的＂写＂不仅是中国写意精神的高度体现,也是他＂创造＂思想的集中表现,更是他人格精神的写照。     

论中国画的意境美

通过对中国画的表现手法、传统文化影响、画家思想情感的表现以及中国画融诗、书、画、印于一体的表现风格的探讨,阐述了中国画意境美的表现方式和艺术魅力。     

论与谢芜村“俳画如一”的创作风格——以俳句对绘画的借鉴为中心

与谢芜村是近世俳句史上的著名诗人。在创作俳句之余,与谢芜村也进行着绘画的创作,被认为是日本文人画（南画）的集大成者。在创作俳句和绘画的同时,与谢芜村也渐渐地达到了俳画如一的境界。俳句和绘画原本是完全不同的艺术表现手段。从俳句的用词、构图、构思等角度分析,探讨了与谢芜村将俳句和绘画之间的巧妙与运用联系。     

闻一多：诗画歌吟——闻一多与新诗绘画美关系述略

闻一多提出的包括音乐美、绘画美、建筑美在内的新诗“三美”理论,是十分重要的新诗美学理论创见。本文从新诗绘画美的美学内涵与“诗中有画”诗学传统的辩证联系,新诗绘画美的两个主要美学要素———廓线与色彩的艺术体现等几个方面,论析了闻一多在新诗绘画美的理论倡导和艺术实践中的探索与贡献。     

论中国古代人物画的形式美

形式美是绘画的一个突出的特征。一幅作品能否成功,很大程度上在于作者赋予作品的形式感所具有的形式美。本文就中国古代人物画中具有代表性的形式美因素,诸如线条、色彩(包括墨色 )、人物造型及构图等几个方面,以艺术学、美学的观点作一论述。     

新疆大山水画研究管窥

新疆地域辽阔,具有丰富的大水画创作资源,其山水地貌体现出一种"阳刚之美",与江南水乡山水的"阴柔之美"具有明显差异。这决定了新疆山水画家在创作时不能采用传统的中国山水画技法,用笔用墨要体现出一种粗犷、豪放的气质和胸怀。该文分析了江南山水的"阴柔之美"和新疆山水的"阳刚之美"的差异,并着重介绍了新疆北疆的山水特点,以期对新疆山水画家的创作提供借鉴。     

试析林风眠花鸟画的艺术特色

在林风眠的绘画改革实践探索中,花鸟画艺术具有代表性,能体现其倡导的中西艺术融合理论思想与实践成果．具有鲜明的个人特色。他强调了绘画的本质性,舍弃了元明清以来的“诗书画印”样式及笔墨效果,融合了西方现代绘画的构图方式、光影色彩,恢复了元明清以前“画中有诗”中国绘画固有特色。     

形、神、韵-汉魏唐宋山水诗画艺术自然审美走向

自然美是人化自然的结果,山水诗画艺术是主体自然美感经验的物化形态。从六朝到宋代的山水诗画艺术,大致经历了从写形、传神、达意的转变过程,同时又折射出人们对自然美的认识的嬗变轨迹     

析绘画艺术的忧郁美

忧郁是一种美之样式.在美学领域中具有其它美所不具备的特质和能渗透心灵的力量.以绘画艺术美学为介入,分别针对绘画艺术作品的情态、色彩、气氛、形态的析例,深入解读艺术表现中的忧郁美,揭示其独特的美学价值.