“情感转向”与艺术情感理论话语范式的新变

“情感转向”是近年来在哲学、社会学和人类学等领域广泛谈论的话题，传统的艺术理论同样在“情感转向”下发生变化。首先，艺术理论的“情感转向”挑战了艺术的“意义表征”体系，使经典艺术理论发生了转向；其次，因为“情感转向”关注身体，所以它在以“意义表征”为核心的经典艺术理论话语范式转向的基础上，又形成了以“身体感知”为核心的艺术情感理论话语范式的新变。再次，“情感转向”所形成的艺术情感理论从“元政治”角度重新定义“感性”的政治内涵，揭示了当代艺术与社会或美学与政治的新关系，构建了批判理论时代之后的“艺术-社会”观，为“后批判”时代的艺术批评提供了有别于批判理论的另类视角。     

艺术的价值辨析——再论舒斯特曼通俗艺术价值观*

舒斯特曼从实用主义哲学出发，为通俗艺术的价值进行了辩护，将通俗艺术审美价值的合法性归结于“审美快感”，力图消除理论界对不同艺术形式所采取的“高雅”“通俗”之别，尝试在身体经验的领域为通俗艺术寻得一片合法之地，并最终在经验主义哲学的基础上构建起一种“整体的艺术观”。然而当舒斯特曼集中火力批判传统艺术批评的保守、狭隘，批判其对大众文化、通俗艺术过于苛刻时，舒斯特曼却并未真正触及通俗艺术内部的审美价值辨析，自然也就无法给予“艺术”一个自洽的价值判断。为通俗艺术的价值正名，仍需回到艺术的内部来审视其价值的生成机制。     

从“艺术的终结”到“领域的扩展”——美国“十月主义者”艺术写作与美学新进展

当代艺术的美国化早就木已成舟。对理解与塑造这个现实，美国当代艺术写作产生了多种回应，如“艺术机制”“艺术界”“艺术终结”“领域的扩展”等，其中，亚瑟·丹托的“艺术终结论”广为流布。但仔细研读、比对、鉴别，“艺术终结论”并不是此时美国最有价值的观点。同期出现的以哥伦比亚大学教授罗萨琳德·克劳斯为旗手的“十月主义者”介入美国当代艺术的策展、对话，长期致力于对前卫艺术的理解，提出“领域的扩展”等观点，界定了当代艺术批评的秩序。通过对“十月主义”批评的分析，在艺术批评与美学发展的新进程中，可以还原被遮蔽的“另类景观”，以改变国内学术界对域外学术思潮长期存在的单一、独断、遵从式的做法，消解“艺术终结”论的遮蔽，为构建自身艺术理论提供参考与铺垫。     

论瓦尔特·本杰明的“艺术生产”理论

本文集中探讨了“法兰克福学派”第一代重要美学家瓦尔特·本杰明的“艺术生产理论”，并揭示了这一理论在与其它“艺术生产”学说的对比中显露出的独特性。作者认为，在青年本杰明对德国十七世纪巴罗克悲剧（Ｔｒａｕｓｐｉｅｌｓ）和古希腊悲剧（Ｔｒａｇｏｄｉｅ）的坚执区分中，他极其敏锐地发现了艺术的“现代性”，并以此为契机切入艺术生产的观念。本文认为，本杰明理论的实质在于把“艺术神学”改造为“艺术政治学”，但它同时因过度重视科技的作用、轻视艺术意识形态本性而陷入“工艺主义”的理论困境。     

《庄子》散文艺术的再认识

《庄子》散文艺术始终存有再认识的天地。文章认为：“文道浑融”是《庄子》散文艺术的总体风貌。首先，它所表现的客体──“道”，其内容和存在状态，具有独特的艺术亲和力及显现艺术至境的潜能；其次，作品本身各种抽象的形式艺术，无一不呈现“目击道存”，难分文字和思想之美的艺术魅力；再次，作者“独与天地相往来”的精神状态和创作方式，成就了“其为文乎？其为道乎”？的上乘艺术。由此可以说，《庄子》的散文艺术具有某种意义上的不可企及性。     

对“反映论”的理性思索

“反映论”就是以摹仿论为核心的再现论。“反映论”的核心是“真实”，这种真实是对艺术中认识作用的强调。艺术不仅是一种审美活动，也是一种认知活动。艺术虽然不是以认识为最终目的，但却无法脱离认识，审美亦不能离开认识。     

试论劳动说与模仿说的有效性问题

在当代马克思主义人类学美学的学科建设中，深入探索艺术起源问题是一个至关重要的环节。本文立足于艺术起源学的学术视野，通过对“劳动说”和“模仿说”的历史性回顾，对它们的有效性问题作了较深入的分析。文章指出：劳动说不是因果论意义上的艺术起源学说，而是一种从“有目的性’的发生模式出发、其相应的本体论为“目的论”的艺术起源学说，“模仿”基本上不属于艺术起源的“决定因”之列，“模仿说”很难在严格意义上成为艺术起源学说，这两种说各自都还面临着一系列不易求解的问题。     

波希米亚浪荡子与唯美主义精神的内部穿孔

波希米亚浪荡子是唯美主义精神和波希米亚生活杂交的特殊人群，他们活色生香地进行着“艺术生活化”的广泛生活实践。这种实践促使唯美主义运动渗透出日常生活审美气质。换言之，沿着波希米亚的生活道路，英国唯美主义的浪荡运动导致其“为艺术而艺术”观念自身的内部穿孔，与欧洲大陆的先锋派运动潮流表现出历史趋向的一致性，成为20世纪“艺术与生活实践领域重新融合为一体”的历史进程的一部分。     

融媒体时代艺术接受方式的转向与挑战

平台融媒体化使艺术接受的方式呈现出新的态势，为艺术接受方式带来三个转向：一是由“在场性”向“在线性”转变，人们逐渐摆脱时空、经济等条件的限制，转而进行“云欣赏”“云体验”“云消费”；二是由“单向体验”向“沉浸体验”转变，艺术接受者接受艺术作品不再是单向理解，而是转向多模态的沉浸式互动体验；三是由“精英性”向“大众性”转变，艺术作品逐渐向大众普及，艺术接受方式的壁垒也逐渐被打破。平台融媒体化在为上述转向带来便捷的同时，其技术层面也存在内容难溯源、难识别，版权难确权等问题，并伴生出现低俗化、表面化、商业化等现象，使艺术创作、艺术接受、艺术消费面临一定的发展挑战。未来要充分认识融媒体对于艺术接受的双刃剑性质，努力发挥融媒体的积极作用，利用区块链技术构建融媒体互信机制，严把作品内容质量关，在充分发挥艺术接受大众化、便捷化等优势的同时，逐步提高审美质量和水平。     

中国古代妇女诗词艺术情感初探

中国古代妇女诗词艺术情感是古代妇女婚姻生活情感的艺术表现，以“深情”、“忧愁”、“悲苦”、“怨恨”为主要特征，具有较高的艺术价值和独特的审美价值，构成一道独特美丽的风景线，给中国文学史宝库增添光彩。     

“戏”“影”互证:中国早期电影发展研究的新视角探索

百年中国电影发展的民族化、现代化以及与其他艺术间的互动关系一直是影响其艺术审美走向的关键因素。20世纪20年代，现代戏剧家规模化地进入电影领域，为早期电影走进艺术、建构艺术品格、丰富艺术表现带来了深远的影响。特别是在戏剧与电影的互鉴发展中，中国早期电影利用民国政府架构中的省域以下宣传系统的缺如拓展了其生发的空间，利用传统文化中的“现代性”元素让舶来艺术有了被本土受众接纳的基础，“影戏”（电影）更是借戏剧之“戏”完成了“作为艺术”的身份转变。以上三个“影响源”促发了中国电影的发展观念变革，为中国电影走向建构现代民族影像的目的提供了宝贵经验。     

丰子恺艺术思想的内涵

丰子恺艺术思想的内涵朱朝辉丰子恺的艺术理论独树一帜，与同时代人的观点明显不同。尤其是他提出的“艺术为人生”的思想因受其经历、信仰的影响与其他人的“为人生”思想更是不同。丰子恺“艺术为人生”的思想是其艺术理论的核心和灵魂。它主要包括两个方面：其一是艺术...     

从《论语》看孔子及弟子的艺术观

以《论语》的记述为依据。探讨了孔子及其弟子关于衣着，饮食，居舍的艺术观点，分析了“文”与“质”作为艺术指导思想的哲学含义。     

“后”时代的艺术哲学重建——丹托艺术终结论述评

面对后现代艺术的事实，丹托认为，现代主义艺术已经终结，这一历史进程实现了黑格尔关于“艺术终结”的预言。与之相关的，是以“美”为核心的古典关学的退场，转而需要建立一套全新的、具有普遍适用性的艺术哲学。它以意义为中心，以阐释为手段，以历史性、多元性和差异性为原则。虽应后现代的历史潮流而生，却以涵盖一切艺术现象为旨归。     

艺术何为？——读托尔斯泰《艺术论》札记

艺术与“真、善、美”的关系，不是一个新话题。根据一般的认识。艺术具有真善美的特性，而托尔斯泰以其卓越的艺术大师的艺术经验否认艺术是“美”的表现；艺术表现普。但不及“善”本身。“善”这个概念在托尔斯泰那里就是上帝的化身。艺术只能趋近，但永远不达“善”本身。艺术之“真”是情感真挚。托尔斯泰对艺术“真”的理解，是建立在对艺术“美”的否定的逻辑之上。艺术不表现美，而表现善，“真”是艺术抵达“善”的途径。     

舞台演奏艺术的最佳境界

舞台演奏艺术的最佳境界方光耀前言人类远古的音乐生活，由于生产力和意识水平的历史局限，基本上呈现出“创作、表演、欣赏”之“三位一体”的艺术审美范式。人类当代的音乐生活，基于生产力和意识水平的社会进步，大体上表现为“创作、表现、欣赏”之“系统分工”的艺术...     

青年墨语——第八届深圳国际水墨双年展

近日，第八届深圳国际水墨双年展在“关山月美术馆”开幕。这届展览由“深圳市人民政府”、“深圳画院”及“关山月美术馆”为主要承办单位，由董小明与严善缚担任总策划，以“青年墨语”为命题，推出“水墨形学·笔墨概述”与“水墨图学·原型研究”两个主题展。在历届双年展的基础上，本届展览回归刚水墨画的本质“形学”与“图学”的问题，1．9,70后青年水墨艺术为研究对象进行展示，旨在把握当代水墨艺术的发展方向，参展的艺术客多为70后的青年艺术家，展出作品约有400余件。     

“样板戏”对芭蕾舞的吸收与改造

“样板戏”的意义结构和艺术形态表现为政治乌托邦想象与多种艺术形式的结合。“样板戏”创作者试图将芭蕾舞的艺术程式、方法与技巧根据政治目的加以符号化，这反映了革命政治通过文艺实现美学化的表达。其吸收与改造的特点表现为：艺术形式方面，从歌剧改编为芭蕾舞剧；主题内容方面，从身体的超越演变为身体的规训；美学范畴方面，从优美走向壮美；美学风格方面，从典雅转变为刚烈。“样板戏”对芭蕾舞的吸收与改造在艺术的嫁接上不乏成功之处，但也出现了一些不可弥合的裂痕，有必要从整体性角度进行辩证分析。     

作为“类人艺术”的人工智能艺术

[提要]人工智能不纯粹是一种人工机器，但也不能等同于具有独立思维活动的主体，这种无法归类的溢出现象，正是技术革命导致文化调适过程中的挣扎心态之真实写照。基于当下的实践现实与技术期待，人工智能只能是一种“类人”智能，借助人工智能创作的作品因而只能是“类人艺术”。不过，人工智能艺术的兴起，挑战了我们对于既有艺术创作过程以及艺术观念的理解。从创作过程来看，人工智能艺术突显其“非媒介性”；从创作主体特征来看，人工智能艺术创作是“互动共生”的结果；从创作意图来看，人工智能艺术主要探索艺术的“创造性”问题，它是一种“观念艺术”。     

“艺术空白”的魅力

艺术空白是一种奇妙的创作技巧，它广泛地运用于各种艺术门类之中，象书法艺术的“飞白”；绘画中的“计白当黑”；电影中的空镜头，文学创作中的“文外之重旨”、“象外之家”等等。各种艺术门类之枝异，其根同，其间的情理是相通的，因此探讨总结“艺术空白”这种奇妙的技巧，对于文学创作及文学鉴赏是大有裨益的。一、“艺术空白”探源“艺术空白”的渊源可以追溯到老子《道德经》中的八个字，即“大音希声，大象无形。”在老子看来，无声是最完美的声音，无形是最完美的形象。老子的话并非指文艺而言。他讲的“大象”就是“道”，道是无…