中国画创作随想

中国画创作的过程就是艺术感情表达的过程,它要求画家去生活中发现美的事物,同时注重自身的文化修养,然后运用传统的艺术语言和传统的创作方法,将所要表现的事物以物化的形式展现于大众面前。总的来说,中国画创作就是由客观向主观转换,最后再表现出客观物象的一个过程。     

由感及情到悟创作一幅中国画的心理过程

通过对画家创作一幅画灵感来源的分析,揭示作画者在作画之前和作画过程中,怎么样由对外部自然的感知,发展到内在情感的融入,最终经过“悟”的思想熔铸创作一幅画的心理过程.     

谈设计元素在中国画创作中的应用

点、线、面作为设计的基本元素与中国画是艺术的两个不同门类，国内外学者对两者都进行过论述，但是，将二者结合在一起进行系统分析的并不多见。本文将设计中的点、线、面应用在中国画的创作之中，即将传统与现代、东方文化与西方文化有机地联系在一起进行分析，旨在弘扬中国传统文化，将中国画发扬光大；将设计中的元素应用于中国画，既展现了设计的优势又丰富了中国画的创作元素。     

思与悟----- 海德格尔与禅宗思维模式的互读

海德格尔之思与禅宗精神存在共通和相似。海德格尔批判主客二分的西方形而上学思维传统，倡导一种主客二分之先的前逻辑思维；禅宗力举顿悟，这是一种不必借助逻辑程序和语言文字仅凭直觉体验的、神秘的、非理性的思维方式。     

关于中国画创作的理性思考

中国画是民族精神和气格的象征,当代中国画的创作在传统理念与创新意识、形式的多样性与情感的诸多矛盾中发展。而提高创作主体的修养关乎作品格调的高低,以现代意识和民族精神为契机,把握时代给于中国画的要求,真诚的面对自然,面对心灵,努力创作出具有时代气息的艺术作品,为中国画在21世纪的艺术之林争得有话语权的一席之地。     

“悟”——禅宗美学方法论的核心范畴

“悟”是禅宗美学体认与把握美的本体（道）的根本方法。“悟”就是见性，是人生观和世界观的根本转变。经历这种转变就会获得一种能够“见”其本质的全新观点，也就能够由凡俗而入禅境，见证到自己的内在生命。“开悟”的过程，也是人见出美的本质的过程。“开悟”与否，又是禅者由非诗性生存向诗性生存转变的关捩点。禅宗开悟与审美感悟有着内在的相似性。整个审美活动过程，各个关键环节，都需要悟，都离不开悟，从而凸显了“悟”的美学方法论的核心地位     

“悟”与宋代诗学——禅宗与中国古代诗学之一

禅宗主张的“直指人心”、“见性成佛”的“悟” ,是由感知、理性、情感诸种心理因素 (机制 )积极参与的 (互相融合、彼此渗透 )、带有某种神秘色彩的直觉感受 (心理现象 ) ,与艺术和审美活动有相似或相通之处 ,并且进入宋代诗学 ,对其产生了重大影响。禅宗使中国古代诗学由先秦之观、魏晋之味、唐代之境发展到宋代之悟 ,由此中国古代诗学呈现出了崭新的面貌。     

对书法中“悟“的探讨

从习书之人应具备的技能与品行展开论述,阐述了书法学习与创作中"悟"的必要与作用,它能使书者达到娴熟、脱俗的境界,使作品具有高雅、独特的魅力,这是书法艺术"人书合一"的至高境界.     

“法”、“悟、”化“——《诗薮》的创作论

胡应麟在《诗薮》中继承了严羽、明代前后七子等前人的诗学理论并加以改造，将学诗的过程概括为“法”、“悟”、“化”三个阶段，极大地丰富了这些范畴的内涵，形成自己相对完整的理论体系．基本上完成了对明代主流诗学的整理和集成，为我们以新的视野来审视明代文学复古提供了有益的借鉴。     

圆悟克勤的《碧岩录》与文字禅的泛滥

入宋以来,禅宗灯录刊行,丛林参究公案之风益盛.禅僧不再拘泥于"文字障道"之见,反而彰显语言文字和禅的"指月"关系,把民间兼有说、评、颂、唱的"说话"的方式--评唱引入了禅门.圆悟克勤所著、被誉为"宗门第一书"的<碧岩录>,则是评唱的开山之作,也是代表之作.克勤的禅学走的也是一条综合的道路,但他主要的致力方向还是以己意诠释公案,用文字说明不立文字.自灯录刊行,继而颂古,继而评唱,都是应禅宗发展的需要而施设的,它标明了中国的禅学已经开始由丛林走向社会,融入整个的大文化洪流中了.     

当代油画创作的逻辑思维误区

在中国油画创作极速发展的时期,由于某些旧传统的负累、图像时代的迅速到来以及西方多元艺术思潮的冲击,使当前的油画创作出现了一些误区,值得关注。有必要对油画创作的逻辑思维误区重新进行梳理,并期待不久的将来,中国油画界出现更有价值、具有东方风格与中国人文精神的油画作品。     

浅谈中国画欣赏教学?

中国画欣赏教学面对的常常是非美术专业的学生，因此，在教学过程中需要由浅入深、循序渐进。教学的思路是理论与实践相结合，即在学习中国画品评标准的基础上，引导学生从作品的题材、表现手法、作者、历史背景，以及意境、构图、笔墨、色彩等方面进行全面分析解读，使学生掌握中国画欣赏的步骤和要领。     

水墨画创作中构成形式的运用

虚幻意味的表现形式在我国的水墨画中普遍存在。构成形式与水墨画创作之间也有着紧密联系，可以使得水墨画的表现形式更加丰富、多元，逐渐形成一种水墨画作中的特殊表现形式。从水墨画创作、构成形式两个方面进行分析，旨在为水墨画创作中构成形式的灵巧运用提供有价值参考。     

浅谈中国画欣赏

中国画在世界绘画艺术中独树一帜,是中华民族文化遗产的重要组成部分.她具有悠久的历史和优良的传统,体现出我国人民高度的文化修养和审美水平.通过认识传统中国画的形式语言特点及其折射的精神内涵,有助于提高个人审美能力和艺术修养,使民族感情得到升华和发展.     

审美注意在中国画欣赏中的心理活动及其作用

中国画欣赏是一个由注意、直觉、联想、情感等心理因素构成的整体系统。在这个系统中,审美注意是一切心理活动的初步阶段。研究审美注意在中国画欣赏中的心理活动及其作用,对探索中国画的欣赏和创作都有着重要的意义和作用。     

试论中国画艺术的“形神说”

形与神是每个中国画家十分关注的极为重要的两个问题,因此古人提出"以形写神"理论,荀子提出的"形具而神生"最终确立了"形神说"的学术位置。不求形似是与追求神似相对而言的,怎样用形来传神,并且神可以从形当中解放出来、改造、甚至变形,而不受形的制约。面对当代美术,中国画与西方绘画的相互交融,"形神说"具有了新的活力,焕发出勃勃生机。     

美术教育中绘画创作意识理念的转型

美术创作是一种极为复杂的系统运动,是一个感性和理性的矛盾对立统一过程。美术创作意识理念的转型,首先要激活学生潜意识之中的创作灵感。其次,在遵循艺术规律的同时表现自我。再次,要在意识延伸中不断地创新,从而形成独树一帜的艺术风格。美术教育中的绘画创作是提高学生自我表现能力的一种手段,必须在教育理念更新的同时推陈出新,从而完成学生在绘画创作意识理念中的转型。     

地域文化精神与油画艺术创新——塔马约绘画艺术对中国当代油画发展的现实启迪

艺术作为人类文化的精神载体,随着时代的演变而不断更新与进步.不同肤色、不同人种构成世界多元化体系,不同民族在不同的地域环境中,以不同的生存理念创造了属于本民族的精神文化,而独特的地域文化精神也正是生成新的艺术语言形式与风格的土壤.     

作古非由我,居今多任情——中国传统文学欣赏启发下的古典园林创作

中国古代有着极为深刻的文学欣赏传统,它在中国的文论、画论、经典性阐释以及思维方式和审美活动中留下了深深的印记。中国传统文学欣赏的精神实质、思想方法对古典艺术审美思维有相通之处。古典园林中的诗、画意向是处于理论思维的高度自觉之中,古典园林的审美与中国古代文学欣赏背景有着极为密切的联系。     

试论中国画与油画差异的形成

从现存人类远古时代的绘画遗迹来看,无论是洞穴壁画、岩画,彩绘、还是石刻绘画,其所使用的工具、材料、表现的内容、题材、手法及风格等均无太大的东西地域差异.而今天,中国画与油画作为绘画其中的两种形式,二者之间的风格却明显不同.当两个画种同时呈现在我们面前时,视觉感受上的差别是不言而语的.它们之间的根本差别是写意体系与写实造型之间的差别,也是画家表达主观思想情感与描绘客观世界之间的差别.